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Écrire des scènes d’action digne d’un film hollywoodien

Écrire des scènes d’action digne d’un film hollywoodien

Qu’il s’agisse de combat aux sabres laser, de courses poursuites endiablées ou d’un mariage ensanglanté, les scènes d’action sont souvent parmi les moments cinématographiques les plus mémorables. Elles peuvent nous faire ramper vers le bord de nos sièges, nous ronger les ongles jusqu’à ce que nos doigts saignent et parfois, juste parfois, nous faire salir gracieusement nos pantalons au milieu d’une salle bondée.

Bien sûr, avec des effets spéciaux de pointe et des partitions musicales sur mesure, la boîte à outils du metteur en scène est beaucoup plus lourde que celle de l’humble auteur. Si nous pouvons insister sur le fait que le livre est toujours meilleur, la dure réalité est que les scènes d’action littéraires tombent souvent à plat à côté de leurs homologues sur grand écran. Cela ne signifie pas pour autant qu’il faille renoncer à écrire des scènes d’action, ni se contenter d’un peu de bon sens. La vérité est que les mots sur papier peuvent être meilleurs que les explosions et Bruce Willis – à condition d’apprendre à les faire correctement.

Savoir ce qui est en jeu

La première chose à retenir, c’est que lorsque l’on pousse, les scènes d’action ne sont que cela : des scènes. Et comme toute scène, elles ne sont d’aucune utilité pour le lecteur, à moins qu’elles ne fassent avancer l’histoire d’une manière ou d’une autre. Qu’il s’agisse d’une poursuite en voiture à travers Manhattan ou de la fin sanglante d’un siège d’un an, les scènes d’action sont beaucoup plus puissantes une fois que nous savons ce qui est en jeu.

En fait, ce sont ces enjeux émotionnels qui nous poussent à nous enraciner, à nous serrer les coudes et à haleter, et c’est la raison pour laquelle nous nous retrouvons à tourner ces pages avec frénésie. C’est ce qui nous attire dans le feu de l’action et nous rend presque impossible d’en sortir. Donc, avant que les choses ne dégénèrent, assurez-vous que nous savons ce qui se passera si nos héros s’en sortent – et surtout, ce qui se passera s’ils ne s’en sortent pas.

Faire de tout cela un flou saisissant

Il arrive parfois que des auteurs décrivent une poursuite pleine d’adrénaline avec des détails atroces : chaque coup de poing donné, chaque coin tourné, chaque éclat de verre d’une fenêtre d’entrepôt. Plus vous vous attardez sur ces détails inutiles, plus vos lecteurs s’impatientent. Lorsque nous sommes en mode « combat ou fuite », nous ne remarquons que ce qui est le plus vital pour notre survie – et les scènes d’action les plus puissantes finissent par faire exactement la même chose.

De même, vos personnages auront rarement le temps de se livrer à un monologue interminable ou à une série de plaisanteries spirituelles. Le plus souvent, ces clichés briseront la tension d’une scène et, souvent, ils vous sembleront simplement gênants et déplacés. Bien sûr, ils peuvent fonctionner, mais seulement si vous écrivez déjà un antihéros arrogant du type Han Solo. L’essentiel, c’est de façonner le dialogue en fonction de vos personnages, et non l’inverse.

Utilisez tous vos sens…

Vos personnages peuvent faire plus que simplement voir, et leurs sens aiguisés devraient vous donner beaucoup de matière à travailler. Il y a le goût de la boue lorsqu’ils sont lancés tête la première dans une flaque, ou la douleur persistante lorsque leurs muscles s’aigrissent. Décrivez l’odeur de l’asphalte chaud lorsqu’ils se glissent sous un camion, ou la sueur collante lorsqu’ils tremblent et frissonnent.

De plus, les bonnes scènes d’action doivent provoquer une vague d’émotions chez vos personnages et brouiller les fonctions les plus rationnelles en dehors de leur cerveau le plus primitif. Ils peuvent passer de la peur à la joie et du deuil à la colère au cours d’une seule scène – et si vous voulez obtenir un Oscar, c’est exactement ce qu’ils devraient faire.

…et votre imagination !

Compte tenu de toute la splendeur qu’ils nous ont apportée, il n’est pas étonnant que nous nous tournions parfois vers les films pour nous inspirer. Pourtant, les réalisateurs sont souvent confrontés à une tonne de limites, notamment les contraintes budgétaires, les conflits d’horaires et ces lois pesantes de la nature. En tant qu’écrivain, vous pourriez vous en tenir aux mêmes vieilles scènes de combat à l’épée dans la cour ou de poursuite sur l’autoroute – mais il n’y a aucune raison de penser que vous devez le faire.

Si cela a du sens pour votre histoire, n’ayez pas peur de sortir les gros canons pour pimenter votre scène. Mettez le feu à des forêts entières, faites apparaître des drakkars à l’horizon ou faites inonder une ville par vos armées. Après tout, vous n’êtes rien de moins qu’un dieu maniant le crayon – et votre budget pour les effets spéciaux est exactement à la hauteur de votre imagination.

Développer vos personnages

Si vous pensez que les scènes d’action sont surtout des scènes de kick-boom-woosh gratuit, elles sont en fait un excellent endroit pour explorer vos personnages. Non pas en leur faisant revivre les souvenirs d’une explosion, mais en nous montrant comment ils réagissent lorsque l’enjeu est le plus important.

Et n’allez pas croire que cela signifie un héroïsme sans faille, non plus. Bien sûr, les personnages peuvent trouver leur courage dans des situations difficiles, mais ce n’est pas le résultat le plus surprenant d’une situation périlleuse. Profitez plutôt de l’occasion pour introduire quelque chose de vraiment surprenant : un amour pour leur parent éloigné, une peur paralysante des abeilles, ou même un trait cruel non découvert. Et si vous empruntez quand même la voie de l’héroïsme, sachez au moins ceci : le véritable héroïsme ne consiste pas à toujours être courageux ; il consiste à affronter la peur et à la surmonter.

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